Tässä tekstissä käsitellään kaikkiaan 16 festareilla nähtyä elokuvaa suuntaa-antavassa paremmuusjärjestyksessä. Osan leffoista olen tosin nähnyt vasta festivaalien jälkeen (kaikki kuitenkin ihan teatterissa), mutta koska nekin festivaaleilla esitettiin, niin ymppään ne mukaan tähän tekstiin. Kattaukseen mahtui vain yksi suuren vaikutuksen tehnyt teos, mutta monta tosi hyvää, monta ihan hyvää, monta keskinkertaista ja pari todella huonoa (nimet festivaalilla käytettyjä):
– huippu: Loveless
– tosi hyvät: Saamelaisveri; Three Billboards Outside Ebbing, Missouri; Centaur; Aquarius
– ihan hyvät: Ikitie, Rumble, Golden Exits
– keskinkertaiset: On the Beach at Night Alone, The Killing of a Sacred Deer, Western, The Red Turtle, The Square, Heartstone
– tosi huonot: The Nile Hilton Incident, Easy
Ja sitten höpinöihin elokuva elokuvalta:
HUIPPU
Нелюбовь / Loveless / Rakkautta vailla
ohjaus Andrei Zvjagintsev
Loveless on lohduton mutta ei kyyninen tai ihmisvihamielinen elokuva. Niin karmeita kuin sen tapahtumat ovatkin ja niin huonosti kuin hahmot lähes poikkeuksetta kohtelevatkin toisiaan, sykkii jossain syvällä jäisen kuoren alla kuitenkin lämmin sydän. Loveless näyttää: näin käy, jos emme välitä toisistamme, vaan räpläämme vain älypuhelimiamme, napsimme selfieitä ja pidämme narsistisesti tarkkaa huolta ulkonäöstämme sen sijaan, että pitäisimme huolta toisistamme.
Vielä vahvemmin kuin rakkaudettomuus elokuvan tunnelmaa hallitsee turvattomuuden tuntu. Kukaan ei ole turvassa missään; jos mummola on jonkinlainen klassinen turvallisuuden tyyssija, niin tässä elokuvassa Alexei-pojan mummola on mummola helvetistä: täynnä vihaa, tyhjä rakkaudesta. Mummola on pimeään yöaikaan nähtävä epämääräinen, keskellä ei-mitään sijaitseva muurilla suojattu hökkeli, jonne saattaisi kuvitella kaikki maailman pahuudet.
Lumisade saattaa loistella katuvalojen loisteessa äärettömän kauniisti, mutta tien vierellä odottaa pimeä, uhkaava metsä. Tällaiset henkeäsalpaavat visuaaliset viestit ovat suuressa osassa luomassa tunnelmaa, joka pitää palan kurkussa ensimmäisestä kuvasta viimeiseen, jos nyt ei ihan tauotta niin ainakin melkein.
Tästäkin Zvjagintsev-elokuvasta voidaan lukea varsin peittelemätöntä kommentaaria Venäjän nykytilasta: vikaa on aina kaikissa muissa kuin itsessä. Toisaalta ohjaaja itse on nostanut esiin, että niin mielellämme kuin me länsimaalaiset luemmekin Lovelessia ja muita hänen elokuviaan kritiikiksi Putinin hallintoa ja demokratian vastaista kehitystä kohtaan, on kyse yhtä lailla siitäkin, kuinka moderni länsimainen rappio on soluttautunut Venäjälle ja turmellut maan kulttuuria.
(Sivuhuomiona sanottakoon vielä, että vaikka pidänkin The Salesman -tyylistä ei-englanninkielisen elokuvan tuomista Suomeen englanninkielisellä nimellä aikamoisen typeränä ja peukutan sitä, että Нелюбовь on Suomessa Rakkautta vailla eikä Loveless, niin ehdin itse jo omaksua festivaalilla käytetyn englanninkielisen, suomenkielistä versiota dynaamisemman nimen.)
TOSI HYVÄT
Sameblod / Saamelaisveri
ohjaus Amanda Kernell
Ihmettelen, mikäli Amanda Kernell ei ole katsellut Klaus Härön elokuvia, sillä Sameblod tuntuu yhdistelevän palasia Härön vuosien 2003–2007 kolmen Ruotsiin sijoittuvan elokuvan putkesta. Kuten elokuvassa Elina – Som om jag inte fanns (Näkymätön Elina), Sameblodissa nähdään tiukkaa kuria suosiva naisopettaja, jonka luokassa kielivähemmistöön kuuluva oppilas saa tuntea nahoissaan, mikäli erehtyy käyttämään äidinkieltään (Elinassa suomea, Sameblodissa eteläsaamea). Valtaosa Sameblodin kestosta seurataan päähenkilön kriittisiä nuoruudenkokemuksia, mutta alussa ja lopussa vieraillaan vanhuusikäisen päähenkilön mukana hautajaisissa vanhoilla kotikonnuilla - aivan kuten Äideistä parhaimmassa. Den nya människan (Uusi ihminen) puolestaan käsitteli synkkää lukua Ruotsin historiassa, valtiojohtoista rodunjalostusoppia ja naisten pakkosterilointia. Sameblodissa vastaavasti seurataan, kuinka samaiset viranomaiset mittailevat saamelaislasten päitä ja pitävät heitä valtaväestöä heikkolahjaisempina.
Toisin kuin ehkä voisi odottaa, Sameblodin päähenkilö Elle Marja ei ole kielisortoa vastaan taisteleva kapinallinen – tuo rooli on hänen siskollaan – vaan ruotsin kielen käyttöön kiltisti alistuva opettajan lellikki. Tai näin ainakin aluksi. Ja kun Elle Marja ei enää hyväksy opettajansa tekosia tai rodunjalostajien nöyryyttäviä tutkimuksia, hänestä ei tule saamelaisnuoret yhteen kokoavaa kapinakenraalia vaan vertaisiinsa sillat polttava individualisti, joka päättää lähteä etsimään onnea etelämpää. Puhutaan siis virkistävän epätavanomaisesta ja realistisesta päähenkilöstä, jolta katsoja sydämessään toivoisi sankarillisempia tekoja, mutta Hollywood-tyypin yleväksi sankariksi ei Elle Marjasta ole. Muutoinkin elokuva välttää tyylipuhtaasti tökeröt alleviivaukset, myötähäpeänlaukaisijat ja imelät dialoginpätkät, joihin tällainen rasismista kertova koskettava kasvutarina olisi helposti sortunut. Elokuva ei myöskään ole saamelaisperinteitä riistävä, turistikamaa törkeillä hinnoilla tuputtava rihkamakauppias eikä herkuttele tarpeettomasti joiuilla tai eeppisillä maisemilla, vaan tuntuu kertovan saamelaisista paljon aidommin. Tämä onkin odotettavaa, sillä ohjaaja-käsikirjoittajalla on saamelaisjuuret, ja hämmentävän hienon pääroolin ilman mitään näyttelemiskokemusta vetäisevä Lene Cecilia Sparrok tienaa tänäkin päivänä leipänsä porojen parissa. Mainittakoon, että eteläsaamen puhujia on nykyisin noin 500, joten ihan liikaa ehdokkaita teinitytön päärooliin ei ole voinut olla tarjolla etenkään, kun hakusessa oli kokonainen sisarkaksikko (Elle Marjan pikkusiskoa esittää Mia Erika Sparrok).
Etelässäkään Elle Marja ei kuitenkaan oikein meinaa sulautua joukkoon, vaan jää hyvin yksin. Liikoja spoilaamatta draamankaari jää tässä kohden jotenkin vähän kesken enkä ole ihan vakuuttunut siitäkään, voiko Elle Marjalla todella olla niin hirveän kova hinku Uppsalaan, jossa hän on täysin ulkopuolinen ja mukavillekin ihmisille kuin friikkisirkuksesta karannut outolintu. Kun vielä muistetaan, että rodunjalostuksen tutkijoiden pesäpaikka sijaitsi nimenomaan Uppsalassa, on käsillä perin kummallisen tuntuinen yksityiskohta. Näinkö päähenkilömme todella tahtoo juuri sellaiseksi, jotka häntä kipeimmin nöyryyttivät, juuri heidän luokseen? Mutta kenties on aivan realistista psykologiaa, että kipeästi hyväksyntää kaipaava ihminen käyttäytyy tuolla tavoin, omat juurensa piilottaen ja kaltaisilleen muiden mukana ilkkuen. Kuten todettua, Elle Marja ei ole ihanteellisen moraalinen, vaan esimerkiksi omahyväisten porvaristyttöjen mukana ohikulkijoiden vaatteille ilkeästi naureskellessaan kerrassaan vastenmielinen hahmo. Eikä hän "puhdistu" tuosta "pahuudestaan", vaan kulkee ruotsalaistumisprosessin päätyyn saakka.
Jos draamankaari onkin paikoin hieman kummasti poukkoileva, kyseenalaisesti motivoitu ja tuntuu hieman vajavaiselta jättäen auki esimerkiksi kriittisen kysymyksen siitä, kuinka Elle Marjasta lopulta tuli (kuten elokuvan alku heti kertoo) pesunkestävä ruotsalainen ja jonkinasteinen rasisti itsekin, niin kokonaisuutena Sameblod on kuitenkin jokseenkin ehyt, koskettava, tyylitajuinen ja tärkeä, "universaali toiseuden kuvaus" kuten Hesarin arvostelija osuvasti muotoili.
Three Billboards Outside Ebbing, Missouri
ohjaus Martin McDonagh
Miksi väkivalta naurattaa? Tämä kysymys oli päällimmäisenä mielessäni poistuessani salista Three Billboardsin jälkeen. Elokuva sisälsi esimerkiksi kohtauksen, jossa Frances McDormand porasi hammaslääkärin poralla reiän hammaslääkärin kynteen. Jokunen ihminen yleisössä nauroi. Itse käänsin katseeni vaistomaisesti pois valkokankaalta enkä nähnyt tilanteessa mitään koomista. Naurureaktio toistui, minun mielestäni täysin käsittämättömästi, useaan otteeseen elokuvan väkivaltaisten kohtausten aikana. Mietin, oliko nämä kohtaukset tarkoitettu hauskoiksi ja jos oli, niin miten koomisuus saatiin aikaan ja miksi väkivalta haluttiin esittää koomisena.
En osaa vastata näistä kysymyksistä yhteenkään. Joka tapauksessa oma katsomiskokemukseni olisi ollut hyvin erilainen, jos olisin katsonut leffan kotisohvalla. Silloin olisin ehkä kiinnittänyt enemmän huomiota leffan hyviin puoliin. Three Billboards käsittelee erittäin vakavia aiheita: Frances McDormandin hahmo suree murhatun tyttärensä kohtaloa, ja jo alkupuolella selviää, että Woody Harrelsonin esittämä poliisipomo on parantumattomasti sairas. Kun välittömästi surua käsittelevän kohtauksen jälkeen nähdään väkivaltaa, ja osa yleisöstä nauraa, nousee mieleeni kysymys, ovatko nämä ihmiset elokuvassa lainkaan mukana tunnetasolla.
Piristävintä Three Billboardsissa on sen epämustavalkoisuus: hahmo kuin hahmo näyttäytyy katsojalle välillä sankarina, välillä konnana, mutta kukaan tärkeimmistä hahmoista ei ole yksiselitteisesti kumpaakaan. Elokuvan psykologia on siis toisaalta monisäikeistä ja kypsää, mutta toisaalta tietyltä keskenkasvuisuuden tunnulta ei voi välttyä, kun kirosanojen luetteleminen käy huumorista ja vittuileminen tuntuu näyttäytyvän jollain tapaa sankarillisena (ja sitä kaiketi ainakin joiltain osin hauskaksi tarkoitettua väkivaltaa riittää). Toisaalta ehkä kaikkein tärkeimmän tuntuinen on lopun kohtaus, jossa Peter Dinklagen esittämä kääpiö syyttää siihen saakka kenties hieman liian pehmeästi kohdeltua McDormandia siitä, ettei tällä ole koskaan mitään hyvää sanottavaa kenestäkään. (Jonkun arvostelijan mielestä Dinklagen hahmo oli täysin turha, mutta hän ei ilmeisesti jaksanut katsoa leffaa loppuun saakka.) Miinuspuolelle merkitään Woody Harrelsonin hahmo, joka oli aika tarkkaan sama tyyppi jota Harrelson aina esittää: jämpti, kovapintainen äijä, jolla on täysin kuvaan sopimaton itseään 30 vuotta nuorempi hehkeä vaimo ja joka tietenkin tekee asiat oman mielensä mukaan eikä anna kenenkään neuvoa itseään. Kuinka siistiä olisikaan ollut nähdä karuille Ameriikan sydänmaille sijoittuvassa kovapintaisten hahmojen elokuvassa Woody Harrelson epävarmana pehmopoliisina? Mutta niin kauas Amerikka-kliseistä ei tällä kertaa päästy.
Kentavr / Centaur
ohjaus Aktan Abdykalykov
Centaur oli koko festariurakkani perinteisin ja selkein elokuva. Ohjaaja-pääosanäyttelijä Aktan Abdykalykov on Kentauriksi kutsuttu hevosia rakastava mies, joka kaipaa paluuta menneeseen maailmaan, jossa hevoset ja ihmiset sekä toisaalta myös ihmiset keskenään olivat yhtä. Nyt yhteydet ovat hänen nähdäkseen katkenneet ja ihminen vain käyttää eläimiä hyväkseen.
Juoni etenee aivan ensi sekunneista saakka vauhdikkaasti ja selkeästi; näemme tavallista, onnellista perhe-elämää, kolmiodraamaa, itkuun purskahduksia, paljon inhimillistä lämpöä ja yllättävänkin traagisia hetkiä. Eksoottisista puitteista ja länsimaalaisittain erikoisen kuuloisesta synopsiksesta huolimatta ollaan siis koko lailla perustunteiden äärellä, ja käsillä on tiivis, hallittu, kauniisti päättyvä ja muutoinkin kaunis puolitoistatuntinen. En usko, että kovin moni katsoja pystyy Centauria vihaamaan, mutta melkein yhtä hankala on kuvitella sitä suitsutettavan mestariteokseksi.
Aquarius
ohjaus Kléber Mendonça Filho
Aquarius on muodoltaan eeppinen, melkein 2,5 tuntia pitkä ja päähenkilönsä Claran elämää kahdessa eri aikatasossa hahmottava elokuva, ja katsojana odotinkin leffan alkupuolella, että edessä olisi jonkin sortin sukudraama. Sellaisen sijaan Aquarius lähtee kuitenkin yllättäen kehittymään jonkin sortin trillerin suuntaan ja tuntuu lopulta kokonaisuutena keskittyvän asioihin, joihin en odottanut sen keskittyvän. Keskiössä on talo nimeltä Aquarius, jossa Clara itsepintaisesti asuu, vaikka kaikki naapurit ovat jo kämppänsä myyneet. Clara on päähenkilönä virkistävän erilainen, seitsenkymppinen ja leskeksi jäätyään yksin asuva, rintasyövän sairastanut mutta kaikesta huolimatta aktiivinen, elämänhaluinen ja vahva nainen. Hän taistelee korruptiota ja yhteiskunnan mädäntymistä vastaan, vanhan Aquariuksen puolesta ja uutta vastaan. Elokuvan loppu on rakennettu selväksi dramaattiseksi huipentumaksi, joka kuitenkin tuntuu jotenkin aika pieneltä, ei ihan riittävän tyydyttävältä, ei oikein kaikkia odotuksia täyttävältä eikä tarinan selkeästi kokoon vetävältä päätepisteeltä.
Aquarius on myös poliittinen elokuva, mitä sen tekijöiden kannanotto Cannesissa alleviivasi. Brasilian yhteiskuntaluokkien välisiä kitkoja kuvasi kuitenkin minun mielestäni paljon koskettavammin parin vuoden takainen Que horas ela volta? (The Second Mother). Aquarius kutsuu katsojan onnistuneesti mukaan maailmaansa, kantaa pitkän kestonsa komeasti, välttää tökeröimmän mustavalkoistuksen johon sen aineksilla oli ilman muuta vaara langeta ja on jännittäväksi pyrkiessään tosiaan jännittävä, mutta jotenkin se on kokonaisuutena hieman hämärä, sinne sun tänne kurotteleva.
IHAN HYVÄT
Ikitie
ohjaus A-J Annila
Ikitien historiallinen tausta on erittäin mielenkiintoinen: se kertoo 1930-luvulla Amerikasta Itä-Karjalaan muuttaneista suomalaisista. Satuin lukemaan ennen elokuvan näkemistä Suomen Kuvalehden (35/2017) mainion artikkelin asiasta, ja kun Ikitietä oli hehkutettu melkoisesti, olivat odotukset korkealla.
Elokuvan jälkeen mietin, miksi se tuntui pieneltä pettymykseltä. Hyvääkin nimittäin riitti: mielenkiinto pysyi yllä alusta loppuun ja käsittelytavassa oli alkuperäisromaanin kirjoittaneelle Antti Tuurille ominaista toteavuutta. Sentimentaalinen paatos ja alleviivaaminen loistivat poissaolollaan.
Mutta: vaikka ohjaaja Annilan lähtökohta oli nimenomaan universaalissa inhimillisyydessä, parempaa elämää rakentavien ihmisten kuvauksessa, ei historian opetuksessa, jää lopputulos psykologisesti hyvin pintapuoliseksi. Toki loppupuolen karmeat kohtaukset aiheuttavat jokaisessa mieleltään jokseenkin normaalissa katsojassa henkistä pahoinvointia, mutta muutoin Ikitiehen ei oikein pääse tunnetasolla sisään. Tommi Korpelan ja Sidse Babett Knudsenin välillä on yhtä paljon kemiaa kuin jossakin, jossa ei ole kemiaa lainkaan. Mikä näitä hahmoja muka vetää yhteen? Ennemmin tämän suhteen seuranta on kuin lukisi Wikipedia-artikkelia jonkun yksityiselämästä: jahas, tuossa vaiheessa tavattiin, sitten mentiin naimisiin, sitten syntyi lapsi... Irina Björklundin pieni osa Suomi-vaimona on tolkuttoman passiivinen. Loppuratkaisun oli varmaankin tarkoitus olla toiveikas, mutta jotenkin se tuntui tarjoavan kokonaisuuden päätteeksi nuotin joka ei siihen kertakaikkiaan istu.
Lainataan tähän väliin Iltalehden arvostelija Juho Rissaselta pari virkettä, jotka voin täysin allekirjoittaa:
Tarina ei jää hetkeksikään polkemaan paikallaan. Tapahtumat etenevät vauhdilla ensimmäisistä minuuteista lähtien. Kun elokuva kulkee kuin juna siinä on kuitenkin myös ongelmansa. Junalla matkustaminen kun on varsin yllätyksetöntä ja matkustajat tietävät mihin juna on menossa.Minua kiinnosti se, millaista amerikansuomalaisten elämä tuota "työläisten paratiisia" rakentamassa oli – Annila mainitsi muistaakseni jossakin haastattelussa, että jonkin aikaa se todella oli suurin piirtein maailman paras paikka elää. Näin jälkikäteen tuntuu kuitenkin, että mitään arkista ei elokuvassa kovin paljoa nähty. Mitä ihmiset tekivät, mistä puhuivat? Näimme lähinnä elämän suuria taitekohtia, emme juurikaan esimerkiksi dialogeja, joissa hahmot olisivat vaikuttaneet todellisilta ihmisiltä eivätkä historiallisilta roolihahmoilta.
Rumble: The Indians Who Rocked the World
ohjaus Catherine Bainbridge & Alfonso Maiorana
Rumble on intiaanitaustaisten ihmisten vaikutusta paitsi rockille, myös monille muille musiikkigenreille valottava dokumentti. Jos tiivistelmä dokkarin asiasisällöstä kiinnostaa, sellaisen voi tavailla vaikkapa tästä.
Mikäli esimerkiksi sellaiset artistit kuin Charley Patton, Link Wray, Howlin' Wolf, Neville Brothers, The Band tai Jimi Hendrix soittelevat kiinnostuskelloja, kannattaa Rumble ilman muuta tsekata, mutta muidenkaan musadiggareiden aika ei kulu hukkaan. Veikkaisin, että kovin monella intiaanien vaikutus moderniin musiikkiin ei ole tiedossa, ja aktiivisestihan sitä on aikojen saatossa pyrittykin piilottelemaan muun muassa bännäämällä artisteja radiosoitosta.
Rumble on pirskatin monipuolinen ja komea dokumentti, jossa pääsee ääneen mukavan kirjava joukko muusikoita ja heidän läheisiään sekä intiaanikulttuurien ja rock-musiikin asiantuntijoita. Jos jotain jäin kaipaamaan, niin ehkä hieman enemmän olisin kaivannut tietoa nykyajankin alkuperäisasukkaista ja heidän keskuudessaan vallitsevasta musiikkikulttuurista; nyt fokus oli ennemmin kuuluisuuksissa, jotka olivat ponnistaneet intiaanijuuriltaan isoiksi nimiksi ja joilla intiaanijuuret olivat usein "vain" yhden isovanhemman kokoiset. Toisaalta alaotsikko The Indians Who Rocked the World kertookin, missä painopiste on tekijöillä ollut.
Golden Exits
ohjaus Alex Ross Perry
Golden Exits todistaa jälleen Alex Ross Perryn huiman kyvyn aidon tuntuisen dialogin kirjoittamiseen, mutta tällä kertaa hahmoja tuntuu olevan sopassa liikaa. Arkistointiprojektia hoitavan Nickin (Adam Horovitz) ja tämän tuoreen assistentin Naomin (Emily Browning) väleissä olisi ollut aivan riittävästi ainesta koko leffan pihviksi, mutta nyt huomio suuntautuu moniin muihinkin hahmoihin, joista en ainakaan itse meinannut oikein saada otetta.
En ihmettelisi, jos englanninkielisissä arvioissa kerrottaisiin olon olleen leffan katsomisen jälkeen "slightly underwhelmed". Varsin epämääräiseksi Golden Exits nimittäin jää, ja Nickiä lukuun ottamatta hahmot jäivät itselleni etäisiksi. Päälleliimattuja megakäänteitä en jäänyt kaipamaan, mutta ajatukselta "tässäkö tää nyt oli?" ei voinut välttyä lopputekstien pamahtaessa kankaalle. Vastaava juonettomuus ja tapahtumaköyhyys oli oleellinen piirre myös Perryn edellisessä elokuvassa, mestarillisessa Queen of Earthissa (2015), johon ei olisi tarvittukaan mitään lisää, mutta tuo elokuva keskittyikin todella tiiviisti kahteen päähenkilöönsä ja onnistui tuomaan heidät lähelle katsojaa. Myös Golden Exitsin tunnelma veti puoleensa siinä määrin, ettei kelloa joutunut vilkuilemaan tai haukotuksia peittelemään, mutta yhtä vahva tunnekokemus kuin Queen of Earth se ei missään nimessä ollut.
Disclaimer: yritän välttää tekstittämättömiä leffoja, koska niistä jää aina aika monia repliikkejä ymmärtämättä. Golden Exits kiinnosti niin paljon että valitsin sen tekstittömyydestä huolimatta festariohjelmaani. Jonkin verran meni ohi, ja mielipiteeni voisi olla erilainen, jos olisin nähnyt leffan tekstien kera.
KESKINKERTAISET
밤의 해변에서 혼자 / On the Beach at Night Alone
ohjaus Hong Sang-soo
Hätäisesti juonikuvauksen tavailemalla voisi kuvitella, että On the Beach at Night Alone olisi varsin tavanomainen rakkausdraama, mutta tuo odotus menee vikaan. Pääasia elokuvassa on päähenkilö Young-heen taannoinen suhde naimisissa olevan miehen kanssa, tai tarkemmin elämän jatkuminen sen jälkeen, mutta suoraan tuosta suhteesta ei puhuta juuri lainkaan. Ainakin itselleni olikin varsin vaikeaa päästä Young-heen pään sisään. En kokenut tuntevani hahmoa enkä oikein pitänytkään hänestä; hänhän oli varsin ärsyttävä, illallispöydässä kilahteleva ja muita syyttä suotta haukkuva nainen. Toinen ongelma elokuvassa oli sen paikoin aika lattea dialogi, jossa hoettiin surutta sellaisia suuria sanoja kuin "rakkaus" sen sijaan, että asioita olisi osattu ilmaista hienovaraisemmin.
On the Beach at Night Alone oli varsin haastava elokuva. Se jakautuu kahteen osaan – ensimmäinen tapahtuu Saksassa, toinen Koreassa – ja kahden osan ainut yhteinen hahmo on Young-hee. Jos katson elokuvan joskus toisen kerran, ymmärrän kenties paremmin, mikä tarkoitus kaikilla nyt aika randomin oloisilla keskustelunpätkillä on, ja ehkä empatiakykyni riittää silloin myös ymmärtämään Young-heen läpikäymiä tunteita. Nyt mieleen jäi pitkiä, rauhallisia keskustelukohtauksia ja syksyisen melankolisia saksalaisia puistomaisemia, joissa ei liikkunut koskaan kukaan muu kuin kaverinsa kanssa jutteleva päähenkilö. Antonionin elokuvat mieleen tuonut kuvakieli viesti yksinäisyyden ja vierauden tunteista, mutta jotenkin en saanut päässäni palasia loksahtelemaan sillä lailla kohdilleen, että olisin ollut tunnetasolla täysillä mukana.
The Killing of a Sacred Deer
ohjaus Yorgos Lanthimos
Tästä elokuvasta on vaikea kirjoittaa paljastamatta liikaa, mutta voisin kuvailla The Killing of a Sacred Deeria visioksi siitä, mitä tapahtuu, kun ihmisen pahin painajainen käy toteen. Varsinaisesti ihon alle tämä hyytäväksi tarkoitettu tilanne menee kuitenkin vain lyhyinä hetkinä. Perusidea on ehkä jokseenkin villi visio, mutta silti käsikirjoittajien mielikuvitus tuntuu loppuneen kesken ja lopputulos jää liian lineaariseksi. Lajityyppinä on psykologinen trilleri, mutta sellaisen peruselementti, sydämen tykyttämään laittava jännitys, jää pitkälti puuttumaan.
Eräs merkittävä heikkous on dialogi. Monista keskusteluista paistaa läpi käsikirjoittajien ajatus siitä, millainen tunnetila kyseisellä sanojen vaihdolla on ollut tarkoitus katsojassa herättää. Esimerkiksi aivan alun kellokeskustelu tai Colin Farrellin ja Barry Keoghanin ranskalaiskeskustelu ravintolassa olivat vaivaannuttavan falskin kuuloisia. Ajatustenvaihdot ovat kauttaaltaan kaurismäkeläisen toteavia, ihmiset aina yhtä ilottoman kivikasvoisia. Kuten Kaurismäen kohdalla, tällainen tietoisesti oikeasta maailmasta poikkeava tyyli voi joko toimia tai sitten tuoda katsojalle tunteen epäaitoudesta ja etäännyttää siten elokuvan tunnelmasta. Valitettavasti omalla kohdallani toteutui tällä kertaa jälkimmäinen vaihtoehto.
Kun elokuva pelaa yliluonnollisilla palikoilla ja siinä yritetään ymmärtää jotakin inhimillisen käsityskyvyn ylittävää mysteeriä, on tekijöiden löydettävä ratkaisu siihen, missä määrin hahmot esittävät ääneen katsojan mielessä pyöriviä kysymyksiä siitä, mitä ihmettä oikein tapahtuu; koko homma tietenkin lässähtäisi kasaan, jos vaikkapa Twin Peaksissa pöllöjä ja metsien pahuutta yritettäisiin ratkoa täysin arkisella logiikalla. David Lynchin Mulholland Driven ja Inland Empiren viime aikoina katseltuani ihailin sitä, kuinka Naomi Wattsin ja Laura Dernin hahmot käyttäytyivät riittävän mutta eivät liian järkevästi. Vastaavasti The Killing of a Sacred Deeria katsoessa ainakin allekirjoittaneen ärsytyskynnys ylittyi, kun mysteerin eteen joutuneet hahmot eivät yrittäneetkään selvittää sitä. Kun Nicole Kidman yritti saada Keoghanista jotain irti, poika selitti jotain spagetin syömisestä ja sanoi sitten että täytyy kiirehtiä kouluun - päästäen samalla elokuvan ainoan, erittäin harkitun oloisesti asetellun naurun, jonka oli tarkoitus alleviivata hahmon psykopaattiutta. Minusta tämä kohtaus (ainoa, jossa tapahtumiin yritettiin löytää jotakin tolkkua) kuvasti osuvasti sitä, kuinka jonkinlainen luova hulluus puuttui elokuvasta. Lynchiläisen aivoja kutkuttavan mystisyyden sijaan Killing of a Sacred Deerin maailma oli kuivakka ja tympeä, ja dialogissa jäätiin yhtä lailla kauas Lynchin tai vaikkapa Coenin veljesten kaltaisista mestareista, jotka huimassa luovuudessaan kykenevät aina keksimään jotakin hykerryttävää friikkihahmojensa höpistäväksi. Kuten todettu, The Killing of a Sacred Deer on vähän kuin painajainen, mutta toisaalta uneksi aivan liian looginen ja tylsä.
Western
ohjaus Valeska Grusebach
Western alkaa hyvinkin lupaavasti: saksalaiset työmiehet aloittelevat projektia Bulgarian maaseudulla ja törmäilevät alkuasukkaisiin. Jännitteet rakennetaan ilman suurempaa väkivaltaa sen verran taitavasti, että pumppu lähtee hakkaamaan varsin vinhaa tahtia. Mutta elokuvan edetessä sen rytmi hajoaa totaalisesti, ja lopulta nähdään myös aika heikosti motivoituja kimppuun käymisiä, aseella uhkaamisia ja nyrkkitappeluja, joiden on ollut tarkoitus olla koko ajan tihentyneen jännitteen kliimakseja, mutta jotka tuntuvat lässähdyksiltä. Varsin runsaasti saamme myös seurata, kuinka päähenkilö Meinhard (Meinhard Neumann) luo läheisiä suhteita paikallisten ihmisten kanssa, vaikka yhteistä kieltä ei ole. Hahmot puhuvat toisilleen kieltä jota toinen ei ymmärrä, mutta silti viesti välittyy. Ehkä olen kyyninen, mutta minusta nämä ystävystymiset, joita tosiaan kuvataan kohtaus toisensa perään, ovat aika naiiveja ja epäuskottavia viritelmiä. Hieman samansuuntaiseen ajatukseen myös ohjaaja-käsikirjoittaja Valeska Grusebach tuntuu lopussa päätyvän, mikä vaikutti varsin ristiriitaiselta kaikkeen aiemmin nähtyyn suhteutettuna. Oikeastaan viimeiset kuvat välittivät ainakin minun aivoihini niin pessimististä viestiä, että ilman mitään suhteuttamistakin lopetus tuntuu liian lannistavalta.
Mistä sitten nimi Western? Lännenelokuvien tapaan Westernissä on "sivistyneiden" törmäilyä alkuasukkaisiin, miesporukka seikkailulla vieraalla maalla, seikkailun tuntua (ainakin alkupuolella) ja hieman hevosteluakin, mutta varsinaisesta westernistä ei siis missään nimessä ole kyse. Varsin paljon Western sen sijaan muistuttaa Abbas Kiarostamin mestariteosta Tuuli meitä kuljettaa (1999), jossa sivistyneistö ilmaantui niin ikään työtehtäviin maalaiskylään ja jossa myös soiteltiin kylän korkeimmalta paikalta kännykällä kotipuoleen. Mutta siinä missä vielä Bulgariaakin kauemmas, Iraniin, sijoittuva Tuuli meitä kuljettaa nosti itsessäni pintaan tuttuja tunteita elämästä poloisilla Pohjan mailla, tuntui Western hieman pakotetulta ja kahden tunnin mitassaan aivan liian pitkältä siihen nähden, että käsikirjoittajan mielikuvitus kiinnostavien tapahtumien tai dialogien keksimiseen tuntui riittäneen vain ensimmäisen tunnin ajalle.
Ehkä kirjoitin nyt liiankin negatiivisesti, koska Western ei kuitenkaan ollut erityisen huono, mutta mitään syitä sen suosittelemiseen muille en keksi.
La tortue rouge / The Red Turtle
ohjaus Michaël Dudok de Wit
Kenties siksi, että olen katsonut animaatioita aikuisiällä niin minimaalisesti, sanat ovat La tortue rougesta puhuttaessa hyvin vähissä. Päällimmäinen huomioni on, että kylläpä voi 80-minuuttinen elokuva tuntua pitkältä; ei siksi että se olisi ollut niin surkea, vaan siksi, että ensimmäinen päätöskohtaukselta tuntuva hetki tuli vastaan jo joskus puolivälin kieppeillä. Ennen lopullista loppua vastaan tuli muutama viimeisen oloinen kohtaus lisää. Kun kysyin näytöksen jälkeen seuralaiseni mielipidettä nähdystä, hän kertoi täsmälleen samanlaisesta huomiosta. En himoitse La tortue rougen näkemistä uudelleen, mutta myönnän nähneeni siinä sen verran paljon kauneutta, että pariin otteeseen mikroskooppinen kyynel oli vähällä luikahtaa silmäkulmaan.
The Square
ohjaus Ruben Östlund
Ensimmäinen mieleen tuleva sana The Squaren kuvailemiseen on sirpalemainen. Toinen voisi olla hahmoton. Elokuvan selkärankana on alkavasta taidenäyttelystä ja sen mainostamisesta kertova juoni, mutta tämän ympärillä tapahtuu kaikenlaista: naureskelua taide- ja mainosmaailmoille, välinpitämättömyyttä vastauksikseen saavia avunhuutoja, ohipuhumista ja täyttä ymmärtämättömyyttä kanssaihmisten aivoituksista. Ynnä muuta: soppaan on heitelty vähän kaikenlaista, kuin ohjaaja-käsikirjoittajan suuruudenhulluna ajatuksena käydä yhdessä elokuvassa läpi kaikki ruotsalaisen yhteiskunnan oleelliset kysymykset vuonna 2017. Nivoutuuko tämä kaikki sitten mitenkään järkeväksi kokonaisuudeksi? Ei ainakaan minun päässäni.
Toki tällainenkin konsepti voisi toimia, jos kaikki olisi suvereenisti toteutettu, mutta nyt tällaista tunnetta ei tule; The Square esimerkiksi yrittää kovasti olla hauska, mutta minä en nauranut sen aikana kertaakaan. Jonkinlainen terävyyden puute käsikirjoitusta vaivaa – hykerryttäviä aihioita on paljon, mutta mikään ei löydä ihan maaliinsa. Teemat ovat tärkeitä ja ajankohtaisia, mutta yhtäkään uutta oivallusta en osaa elokuvasta nimetä. Östlundin edellinen elokuva, huomattavasti maltillisemmin ja toimivammin miehisyyden problematiikkaa käsittelemään rajattu Turist oli huippuhauska ja psykologiselta silmältään kerrassaan mestarillinen, mutta The Squaresta ei vastaavaa ylivoimaisuutta löydä sitten millään.
Hjartasteinn / Heartstone
ohjaus Guðmundur Arnar Guðmundsson
Odotin kotimaansa Edda-gaalassa pöydän täysin suvereenisti putsanneesta Hjartasteinnista jatkoa edellisvuosien hienoille islantilaiselokuville Vonarstræti, Hrútar (joka kävi Suomessakin teatterilevityksessä nimellä Pässit) ja Þrestir, mutta Hjartasteinn ei valitettavasti nouse läheskään samalle tasolle. Se laahaa monin kohdin turhan hitaasti eteenpäin; 130 minuutin kesto tuntuu liialta näin simppelille tarinalle. Nuorisokuvauksessaan elokuva ei tosiaan sorru sievistelyyn, mutta jättää miettimään, olisiko jatkuvan homottelun ja huorittelun sekä ujojen, varovaisten kosketusten välille mahtunut jotain muutakin. Hieman liiankin yksioikoisesti Hjartasteinn perustelee (jokseenkin kömpelöä) nimeään, kiven kovuuden ja sydämen lämmön kahtiajakoa.
Vaikka mukana on huumoria, ja aikuisuutta kohti kurottavien nuorten hapuilua katseltiin yleisössä usein naurun kera, tuntuu Hjartasteinn loppupeleissä hieman liian vakavalta elokuvalta; eri hahmoja nähdään itkemässä hieman liian monta kertaa. Hjartasteinn on äärimmäisissäkin tapahtumissaan uskottavasti kerrottu kasvutarina, joka kuitenkin toistaa liikaa itseään ja jää kiven ja sydämen välillä jokseenkin sävyttömäksi. Omituisena yksityiskohtana nämä nuoret eivät ilmeisesti käy koulua lainkaan, vaan kesäloman kaltainen päämäärätön haahuilu jatkuu vain, vaikka luntakin välillä satelee.
TOSI HUONOT
The Nile Hilton Incident
ohjaus Tarik Saleh
The Nile Hilton Incident on ruotsalaisten tekemä, Kairoon sijoittuva mutta pakon edessä Casablancassa kuvattu, erittäin negatiivisen kuvan ohjaajan isän kotimaasta Egyptistä antava ja monissa lähteissä neo-noiriksi lokeroitu elokuva, jonka sopimisesta noir-lokeroon voisi käydä kokonaan oman keskustelunsa esimerkiksi siksi, että noir ei lähtökohtaisesti ole poliisin näkökulmasta kerrottu tarina murhatutkimuksesta. Elokuva sijoittuu alkuvuoteen 2011, päiviin ennen tammikuun 25. päivän kansannousua. Korruptio toden totta rehottaa, eikä koko hahmogalleriasta löydy kuin muutama edes jollain tapaa "hyvä" ihminen. Kovin rakentavalta Salehin yksioikoisen synkkä visio Egyptin tilasta ei tosiaankaan tunnu.
Muitakin ongelmia piisaa. Murhajuoni on äärimmäisen geneerinen eikä herätä oikeastaan minkäänlaista kiinnostusta. Yhtään varsinaisesti jännittävää hetkeä elokuvaan ei mahdu, vaikka kyse on jännäristä. Dialogi on tönkköä asiasisältöjen vaihtelua, elokuva etenee mekaanisesti (ja aika vaivalloisesti) johtolangasta toiseen kuin jossain ysärin tekstiseikkailupelissä. Vuosituhannenvaihteen hittikomedioiden Jalla! Jalla! ja Kopps tähti Fares Fares sytyttelee tupakkeja siihen tahtiin, että se käy jo tahattoman koomiseksi. Hänen hahmonsa menneisyyttä valotetaan tasan yhdellä tavalla, sillä kaikkein kliseisimmällä: hän katselee kaivaten vaimonsa valokuvaa. Elokuvahistorian omaleimaisimmasta poliisihahmosta ei siis voida puhua. Typerimmässä juonenkäänteessä muka kovaksi marinoitu kyttä lankeaa ansaan, johon sinisilmäinen nallekarhukin olisi tajunnut olla astumatta. The Nile Hilton Incident on pintapuolisesti komeaa jälkeä, mutta sisältä tyhjä, epäkiinnostava ja kaikin puolin jähmeä elokuva.
Easy
ohjaus Andrea Magnani
Easy on road movie, jossa peräkammarinpoika Easy laitetaan kuskaamaan ukrainalaispojan ruumis isiensä maille. Kyse on komediasta, joka ei naurata. Sympaattinen, kiltti luuseri on vähän tyhmä ja yrittää olla hyvä – katsojan sydämenhän täytyy olla jäätä, jos tämä ei lämmitä mieltä! Päähenkilö ja oikeastaan öbaut kaikki muukin elokuvassa vain tuntui niin epäuskottavalta, ettei se kutsunut eläytymään. Koskettaviksi tarkoitetut kohtaamiset olivat niin läpinäkyvän laskelmoituja ja typeriä, ettei kaltaiseni kyynikko voinut kuin sadatella mielessään ja odotella elokuvan päättymistä.
Ei kommentteja:
Lähetä kommentti